Potremmo dire, provocatoriamente, che il Dracula di Coppola è un film perfetto perché ricco
d’imperfezioni. In primo luogo c’è l’Autore, spesso discusso a causa del
suo infruttuoso sperimentalismo (vedi Un sogno lungo un giorno), ma al di
sopra d’ogni sospetto in quanto a capacità di messa in scena con una precisa e
personalissima grammatica cinematografica. Poi, c’è il "Classico": non si
contano le volte che il personaggio creato da Bram Stoker ha
avuto l’onore (spesso il disturbo) di una riduzione cinematografica,
letterale o meno, ma quasi sempre all’insegna dei facili guadagni al botteghino.
Infine, c’è la "Tradizione", materia e regola dalla quale non si può
prescindere quando si mettono in ballo i generi; infatti, Dracula è,
volente o nolente, un film dell’orrore. Per quanto riguarda Coppola bisogna ricordare
che molti sono i suoi detrattori, ma nessuno si è arrischiato nel negargli una capacità
narrativa e registica fuori dell’ordinario, capace di creare dissensi ma anche di
distinguerlo nel mare magnum delle produzioni che vedono quotidianamente la luce
oltreoceano. Un film dell’orrore, grazie alla sua natura irrazionale, dove tutto è
permesso, e alla sua forza simbolica, viene accolto dagli autori come una vera e propria
manna. Così ebbe anche a sottolineare Francis Ford Coppola
all’uscita del suo Bram Stoker’s Dracula: "... ho accettato con entusiasmo di dirigere
Dracula soprattutto perché è un film Horror, genere che ti permette di fare quello che
vuoi, dove si ha la maggior libertà espressiva".
Questa dichiarazione sembra però cozzare con gli altri aspetti
fondamentali del film: il "Classico" e la "Tradizione". L’aderenza al primo Coppola l’ha
rispettata mantenendo una trasposizione quasi letterale del romanzo di Stoker ed
utilizzando, in un’epoca d’altissima tecnologia, tecniche povere e antiche per
realizzare gli effetti speciali (numerose dissolvenze, iridi, sovrimpressioni e giochi di
luce), mentre è sul concetto di "Tradizione" che l’Autore ha operato una
personale lettura del genere, forzando con sottolineature e sottotrame depistanti i
fondamenti narrativi e sociologici consueti. Il genere horror è, di per sé, un inno al
moralismo cattolico più conservatore, in cui il male devesoccombere
alle forze e ai simboli del bene (la Croce, l’acqua santa,
etc.); in quest’ottica le azioni compiute dal mostro di turno sono viste come
concessioni al voyeurismo del pubblico, conscio che la carica d’erotismo e violenza
del villain non porterà a nulla di buono se non all’emarginazione e
all’annientamento.
Il Dracula di Coppola è diverso: la sua condizione
mostruosa è sì frutto di una ribellione verso Dio, ma causata dalla perdita della
moglie, unico punto di riferimento e ragion d’essere della sua vita eroica (il
"Conte" nasce come eroe, salvatore della Romania dalla terribile minaccia
Turca). La potente e innegabile carica erotica di Dracula finisce così per essere
smitizzata e il personaggio assume i toni condiscendenti e melliflui dell’eroe
romantico, solo nella sua maledizione eterna, alla ricerca di una pace spirituale che solo
l’amore può restituirgli. Il personaggio di Mina, lungi dal fuggire il mostro (o
meglio, la sua libidine, secondo una diffusa lettura presente anche nel capolavoro-remake
di Herzog Nosferatu), prova per lui un
trasporto più spirituale che fisico, innescando così il più importante "errore" del film: il pubblico prova pietà per Dracula,
s’immedesima nella sua condizione, si strugge per il suo amore perduto e infine
piange alla sua morte.
Tecnicamente grandioso e ineccepibile (vincitore, fra l’altro,
di tre oscar: trucco, costumi e montaggio
colonna effetti sonori), il film di Coppola si concede anche il lusso di un
inaspettato "miscasting": Anthony Hopkins, nella
parte di Van Helsing, incarna una nemesi spiritata e folle
del vampiro, con una recitazione gigionesca e sopra le righe che però non gli impedisce,
in alcuni casi, di rubare la scena ai suoi colleghi. Coppola, probabilmente preso dal
desiderio di mostrare più di quanto chiunque si aspetti da un film dell’orrore,
inserisce anche un raffinato riferimento metafilmico, mostrando a Mina le meraviglie
dell’invenzione cinema ai suoi albori. Probabilmente pleonastica, la scena serve a
farsi una ragione dell’esigenza del regista a strafare, cercando ossessivamente il capolavoro
(meglio: la sua ripetizione) che il cinema sembra negargli. Non ce
n’è bisogno: ogni film di Coppola, nel bene e nel male, contiene la forza e
l’ispirazione che solo il genio e la passione possono trasmettere.
Potremmo dire, provocatoriamente, che il Dracula di Coppola è un film perfetto perché ricco
d’imperfezioni. In primo luogo c’è l’Autore, spesso discusso a causa del
suo infruttuoso sperimentalismo (vedi Un sogno lungo un giorno), ma al di
sopra d’ogni sospetto in quanto a capacità di messa in scena con una precisa e
personalissima grammatica cinematografica. Poi, c’è il "Classico": non si
contano le volte che il personaggio creato da Bram Stoker ha
avuto l’onore (spesso il disturbo) di una riduzione cinematografica,
letterale o meno, ma quasi sempre all’insegna dei facili guadagni al botteghino.
Infine, c’è la "Tradizione", materia e regola dalla quale non si può
prescindere quando si mettono in ballo i generi; infatti, Dracula è,
volente o nolente, un film dell’orrore. Per quanto riguarda Coppola bisogna ricordare
che molti sono i suoi detrattori, ma nessuno si è arrischiato nel negargli una capacità
narrativa e registica fuori dell’ordinario, capace di creare dissensi ma anche di
distinguerlo nel mare magnum delle produzioni che vedono quotidianamente la luce
oltreoceano. Un film dell’orrore, grazie alla sua natura irrazionale, dove tutto è
permesso, e alla sua forza simbolica, viene accolto dagli autori come una vera e propria
manna. Così ebbe anche a sottolineare Francis Ford Coppola
all’uscita del suo Bram Stoker’s Dracula: "... ho accettato con entusiasmo di dirigere
Dracula soprattutto perché è un film Horror, genere che ti permette di fare quello che
vuoi, dove si ha la maggior libertà espressiva".
Questa dichiarazione sembra però cozzare con gli altri aspetti
fondamentali del film: il "Classico" e la "Tradizione". L’aderenza al primo Coppola l’ha
rispettata mantenendo una trasposizione quasi letterale del romanzo di Stoker ed
utilizzando, in un’epoca d’altissima tecnologia, tecniche povere e antiche per
realizzare gli effetti speciali (numerose dissolvenze, iridi, sovrimpressioni e giochi di
luce), mentre è sul concetto di "Tradizione" che l’Autore ha operato una
personale lettura del genere, forzando con sottolineature e sottotrame depistanti i
fondamenti narrativi e sociologici consueti. Il genere horror è, di per sé, un inno al
moralismo cattolico più conservatore, in cui il male deve soccombere
alle forze e ai simboli del bene (la Croce, l’acqua santa,
etc.); in quest’ottica le azioni compiute dal mostro di turno sono viste come
concessioni al voyeurismo del pubblico, conscio che la carica d’erotismo e violenza
del villain non porterà a nulla di buono se non all’emarginazione e
all’annientamento. 
Il Dracula di Coppola è diverso: la sua condizione
mostruosa è sì frutto di una ribellione verso Dio, ma causata dalla perdita della
moglie, unico punto di riferimento e ragion d’essere della sua vita eroica (il
"Conte" nasce come eroe, salvatore della Romania dalla terribile minaccia
Turca). La potente e innegabile carica erotica di Dracula finisce così per essere
smitizzata e il personaggio assume i toni condiscendenti e melliflui dell’eroe
romantico, solo nella sua maledizione eterna, alla ricerca di una pace spirituale che solo
l’amore può restituirgli. Il personaggio di Mina, lungi dal fuggire il mostro (o
meglio, la sua libidine, secondo una diffusa lettura presente anche nel capolavoro-remake
di Herzog Nosferatu), prova per lui un
trasporto più spirituale che fisico, innescando così il più importante "errore" del film: il pubblico prova pietà per Dracula,
s’immedesima nella sua condizione, si strugge per il suo amore perduto e infine
piange alla sua morte. 
Tecnicamente grandioso e ineccepibile (vincitore, fra l’altro,
di tre oscar: trucco, costumi e montaggio
colonna effetti sonori), il film di Coppola si concede anche il lusso di un
inaspettato "miscasting": Anthony Hopkins, nella
parte di Van Helsing, incarna una nemesi spiritata e folle
del vampiro, con una recitazione gigionesca e sopra le righe che però non gli impedisce,
in alcuni casi, di rubare la scena ai suoi colleghi. Coppola, probabilmente preso dal
desiderio di mostrare più di quanto chiunque si aspetti da un film dell’orrore,
inserisce anche un raffinato riferimento metafilmico, mostrando a Mina le meraviglie
dell’invenzione cinema ai suoi albori. Probabilmente pleonastica, la scena serve a
farsi una ragione dell’esigenza del regista a strafare, cercando ossessivamente il capolavoro
(meglio: la sua ripetizione) che il cinema sembra negargli. Non ce
n’è bisogno: ogni film di Coppola, nel bene e nel male, contiene la forza e
l’ispirazione che solo il genio e la passione possono trasmettere. 